Ahora que se acerca el final del año, como siempre suelo hacer, reflexiono sobre si este periodo ha sido bueno o malo cinematográficamente hablando. En este sentido por el hecho de haber tenido un año tan agitado en varios aspectos, es uno de los que menos he podido disfrutar del séptimo arte en una sala de cine, por lo que no puedo hablar más allá de las 8 películas que he visto, y por lo tanto, para mí, no ha sido un mal año, pues de estas 8 “sólo” puedo considerar totalmente prescindibles dos o tres de ellas. Las 5 restantes han sido como mínimo interesantes, encontrando una joya impresionante como ‘El Árbol de la Vida’ de Terrence Malick y una luz al final de ese túnel que representa el, casi siempre, atascado cine español en la fantástica ‘No habrá Paz para los Malvados’ de Enrique Urbizu. También pude disfrutar del siempre estimulante cine de los hermanos Coen con ‘Valor de Ley’ y de la buena ciencia ficción a la que Duncan Jones y Andrew Niccol han aportado sus curiosas ‘Código Fuente’ e ‘In Time’, respectivamente.

Una buena ayuda para poder disfrutar de estos títulos ha sido sin duda la falta, casi total, de información previa a la visualización de estos títulos. En tiempos en los que el denominado “hype” es el pan nuestro de cada día, sobre todo por culpa de esta gran fuente de información que es Internet, no es fácil mantenerse indiferente ante la lluvia de imágenes destripapelículas que nos van ofreciendo desde el momento en el que se sabe que una va a ser realizada. Y, sin duda, el susodicho “hype” es el enemigo número uno del cinéfilo medio, ya que lo peor que le puede pasar a alguien que se dispone a ver una película es tener unas expectativas, altas o bajas, alimentadas por este maldito fenómeno perpetrado en blogs y webs varias “especializadas” en cine.

Cuando esas expectativas son altas, lo más probable es que la película decepcione, y cuando son bajas, probablemente te lleves una alegría al encontrar algo no tan horrible como pensabas. Pienso que hay que intentar evitar a toda costa el tener expectativas previas a la visualización de una película, ya que, con una falta absoluta de ellas, se podrá valorar la citada cinta de manera imparcial y en su justa medida. A veces, incluso el conocimiento del nombre del realizador de la película nos puede jugar una mala pasada. En mi caso, no soy capaz de afrontar la visualización de una película de Michael Bay exactamente igual que como afronto la de un metraje realizado por los citados hermanos Coen, por poner un ejemplo.

En este sentido, y esperando no haber creado “hype” con la imagen que acompaña a este artículo, el año 2012 se nos presenta cargadísimo de grandes expectativas que esperemos no terminen en el baúl de las ilusiones rotas. Próximamente tendremos la nueva obra de David Fincher, que no es otra que la adaptación, y versión norteamericana, de la primera novela de la saga ‘Millenium’, ‘Los Hombres que no Amaban a las Mujeres’. Más adelante Christopher Nolan nos volverá a ofrecer su visión sobre Batman con la tercera y última entrega de la saga comenzada con ‘Batman Begins’ y Quentin Tarantino volverá a los cines con un western llamado ‘Django Unchained’. Ridley Scott volverá al género que le encumbró, y probablemente en el único en el que destacó, como director con ‘Prometheus’, que parece ser una precuela de su fantástica ‘Alien, el 8º Pasajero’. Sea como sea, yo sólo aconsejo que se evite obtener más información de la que aquí hay escrita sobre estas películas para evitar decepciones o sobrevaloraciones y que esperemos que el año 2012 sea un gran año cinematográfico.

A una película se la debe sentir como se siente a una piedra en el zapato. Esta curiosa afirmación pertenece al director danés Lars Von Trier, que actualmente tiene en cartelera su último trabajo, ‘Melancolía’. Me he decidido a hablar de este hombre por culpa de una pequeña conversación que tuve hace poco sobre él con el suegro de una amiga, y para quien no conozca a esta figura del cine moderno, estamos ante nada más y nada menos que, probablemente, el más importante de los impulsores del denominado “Manifiesto Dogma 95″, que desafió todas las reglas cinematográficas establecidas.

Lars Von Trier ha sido una figura considerada de dos formas distintas por el hecho de haber contribuido al mundo del celuloide como lo ha hecho con sus películas. Para muchos, el señor Von Trier es un genio, arriesgado, transgresor, inquietante, personalísimo y original, entre otras muchas lindeces, aunque para otros, y sobre todo debido a sus conocidas declaraciones públicas, no es más que un perfecto imbécil ególatra. En un terreno más o menos neutral, no puedo más que afirmar que, sin tener en cuenta las mencionadas declaraciones, el director danés es ambas cosas.

La prueba más clara de su fehaciente egolatría es el propio nombre de su particular estilo cinematográfico, que, por supuesto, fue nombrado por sí mismo y sus amigos de gremio daneses. Dogma, o lo que es lo mismo, una proposición que se asienta por firme y cierta y como principio innegable de una ciencia, y que en su sentido más común es el de una doctrina sostenida por una religión u otra organización de autoridad y que no admite réplica (Wikipedia dixit), es el susodicho nombre que se les ocurrió a estos lumbreras para su “estilo”, “norma” o “recurso” a la hora de realizar una obra cinematográfica. Por lo tanto, cuando de Lars Von Trier se trata, entendemos su doctrina sobre cine, o su manera de hacer cine, por así decirlo, como algo que no admite réplica, algo que podría darnos una explicación sobre sus últimas declaraciones en el Festival de cine de Cannes sobre Hitler. No cabe duda que el adjetivo “pretencioso” se le puede quedar corto a nuestro amigo danés, pero si analizamos una de sus obras más representativas, ‘Dogville’, podremos llegar a la conclusión “contraria” y reconocer el genio del director que nos ocupa.

‘Dogville’ es la historia de un pequeño pueblo al que llega una mujer, interpretada por Nicole Kidman, escapando de alguien que no sabremos de quién se trata hasta el final del metraje, el cual transcurre alrededor de una especie de escenario teatral en el que los edificios son siluetas dibujadas con tiza en el suelo y en el que interactúan los distintos personajes de la obra, donde destaca Paul Bettany.

Un fantástico relato sobre la maldad y la bajeza humana es lo que esconde la citada obra, a través de ese estilo “dogmático” de Lars Von Trier que podría considerarse como el resultado de la ley del mínimo esfuerzo y el descuido más caótico en la planificación y filmación de escenas. La citada ausencia de decorados, dejar el encuadre fijo para que los actores realicen su trabajo fuera de plano, el manido recurso de cámara en mano, más propio de películas de acción, o los saltos de eje son parte de ese particular estilo. Sin embargo, pese a estas “curiosas” características, insisto en que es una historia maravillosamente relatada, y más teniendo en cuenta la total falta de elementos adicionales en los que poder apoyarse. A la poco visible pero evidente dificultad de realizar una obra así manteniendo el interés del espectador, habría que añadir la capacidad de Von Trier para dirigir a su elenco de actores.

Es por estas razones por las que, a la hora de la más que típica discusión sobre este director en tertulias cinematográficas, no puedo más que dar la razón a ambas partes, y reconocer que Lars Von Trier es un genio ególatra pretencioso con una suerte de declaraciones desafortunadas que le convierten en un verdadero imbécil, pero, ¿acaso no pecaron alguna vez de lo mismo directores como Stanley Kubrick o Woody Allen? La respuesta a esta pregunta podría dar lugar a varios artículos más y… tampoco es cuestión.

Siempre que se habla del mejor o los mejores directores de cine se debe tener en cuenta su filmografía y no olvidemos que un director de cine es un trabajador más, y como tal, su carrera es extensa, lo cual hace que pase por varias etapas en su vida laboral.

Un perfecto ejemplo de esto lo encontramos en Sidney Lumet, cuya carrera transcurre desde su primer trabajo en 1957, la magnífica ’12 Hombres sin Piedad’, hasta su muerte en el presente año. No cabe duda que, incluso en la carrera de este gran director, siempre encontraremos altibajos creativos que provoquen que ninguna filmografía conocida pueda ser considerada como perfecta.

Lo que sí podemos encontrar en la filmografía de un director es una etapa de lucidez increíble y, por lo tanto, considerar a dicho director como el mejor de una década o un lapso determinado. Yo me he decidido a escribir hoy sobre los directores cuya filmografía considero perfecta desde la década de los 70, aunque no sé si coincidiré con mucha gente.

1970 – 1979: Podríamos hablar de directores consolidados como Kubrick, quizá el mejor de la década anterior, o de los emergentes Steven Spielberg, Ridley Scott o Richard Donner.

También podríamos hablar de gente como Roman Polanski, Brian de Palma o de los magníficos inicios de Martin Scorsese, pero para mí, sin duda, el director de los 70 por antonomasia es Francis Ford Coppola. Con cuatro obras maestras como las dos primeras partes de ‘El Padrino’, ‘La Conversación’ y ‘Apocalypse Now’ estamos probablemente ante la aseveración más fácil y menos discutible de este artículo.

1980 – 1989: Un servidor considera la década de los 80 como un declive en el mundo del cine bastante acentuado, aunque habrá gente que piense que estoy loco al decir algo así.

Scott y Donner se terminaron de asentar en el mundo del celuloide y no volverían a gozar de algo así en adelante. El cine de acción era el gran recurso para directores como el mencionado Donner con su ‘Arma Letal’ y el emergente John McTiernan con títulos como ‘Depredador’ o ‘Jungla de Cristal’. Pero la perfecta trilogía del aventurero del látigo y la inolvidable ‘E.T., el Extraterrestre’ convierten a Steven Spielberg en el mejor director de esta extraña década.

1990 – 1999: Probablemente mi década cinematográfica favorita, con un Scorsese que se asentaba finalmente en el mundo del cine con su mejor época, y que no consigue ser el mejor director de esta década por bien poco. Asistimos al nacimiento de las carreras de directores innovadores como David Fincher, con películas de la talla de ‘Se7en’ o ‘El Club de la Lucha’, y Quentin Tarantino, con las no menos impactantes ‘Reservoir Dogs’ y ‘Pulp Fiction’. Pero los que consiguieron alcanzar la perfección en esta década en mi opinión fueron los personalísimos Hermanos Coen con peliculones de la talla de ‘Muerte entre las Flores’, ‘Barton Fink’, ‘Fargo’ o ‘El Gran Lebowski’.

2000 – 2009: Esta última década nos trajo grandes decepciones que quizá venían de finales de la década anterior en forma de directores incompetentes encargados de los denominados “blockbusters”. Entre ellos encontramos a Michael Bay, McG, Roland Emmerich, etc. Sin embargo, Fincher se acomodaba en lo más alto del séptimo arte, Wes Anderson daba continuidad a su anteriormente iniciada y prometedora carrera y asistíamos al esperanzador nacimiento de la carrera del que considero mejor director de la década, Christopher Nolan. ‘Memento’, ‘Batman Begins’, ‘El Caballero Oscuro’ o ‘El Truco Final: El Prestigio’, de la que ya hablé en un artículo anterior, son sin duda alguna muestra de un talento prodigioso del que, parece, todavía podremos seguir disfrutando en la actual década.

Y precisamente en esta nueva década nos encontramos, preguntándonos como le irá al señor Nolan y esperando ver quién será ese director que goce de su época creativa dorada. Yo apuesto por dos directores en particular, que serían el mencionado David Fincher y Terrence Malick, con un, a priori, prolífico porvenir en los siguientes años.

En este camino hacia el año 2019 espero tengan acompañantes de lujo como los mencionados Anderson o Tarantino, figuras que, de algún modo, acaban de emerger como Jason Reitman, y consolidadas como Darren Aronofsky o incluso los Coen con esa especie de segunda juventud de la que han gozado en los últimos años.

Durante las últimas dos semanas, y por tercer año consecutivo, se ha llevado a cabo una iniciativa llamada ‘La Fiesta del Cine’ que consiste en ir durante la primera semana al cine a ver una película por su precio normal, si a ese precio se le puede llamar normal, y de este modo gozar durante tres días de la siguiente semana de todas las películas que se quiera por 2 euros. Sin duda, es una iniciativa que se recibe con entusiasmo en estos tiempos de crisis y sirve para revitalizar la afluencia de público a las salas de cine, sobre todo, entre semana. Este año he aprovechado lo que mi trabajo me ha permitido para ver tres películas de la actual cartelera, que se muestra más interesante de lo que se había llegado a mostrar en lo que llevamos de año, y las cuales voy a analizar, así que dejad que os invite a mi particular “fiesta del cine” y disfrutad del análisis de esas tres películas.

El Arbol de la Vida:

Siempre es interesante ver la película del año que se ha llevado la Palma de Oro del Festival de cine de Cannes, ya que, muy probablemente este es el único festival de cine que realmente premia al cine como tal en la actualidad. Si, además, dos de los mejores directores del momento, llamados Christopher Nolan y David Fincher, se deshacen en elogios hablando sobre el trabajo de Terrence Malick, ver esta película se antojaba obligatorio. Mientras críticos y cineastas se muestran maravillados ante la última obra de Malick, el público en general aplaude al final de la cinta por ver terminar algo, para ellos, aburridísimo.

Tras ver la cinta con estos datos sobre mis manos, he de decir que, sinceramente, El Arbol de la Vida de Terrence Malick es una obra maestra porque es una clara razón para llamar al cine “séptimo arte”, pero esa calificación de “Apta para todos los públicos” que reza al inicio de la cinta debería ser matizada. Porque aunque intervenga Brad Pitt esto no es ‘Leyendas de Pasión’ ni ‘Sr. y Sra. Smith’…, afortunadamente. Esta película requiere de una cantidad de atención que, por lo general, pocas personas que se acerquen a un cine están dispuestas a prestar. El problema de esta película es que, para mucha gente, ir al cine supone desconectar las neuronas y esperar un simple entretenimiento.

Lo que es innegable, es que durante toda la película, en cada plano, escena o secuencia hay más cine, que recordemos nació como un arte meramente visual, que en el 99% de las películas actuales. Porque Malick es capaz de transmitir más con su poderío visual casi poético, sustentado por una dirección de fotografía sublime y su fantástica banda sonora, que muchísimos otros directores con más de 500 páginas de diálogo en su guión. La crítica ya se ha rendido a ella y el público con el tiempo la pondrá en su lugar, como ya ocurriera con ’2001: Una Odisea del Espacio’ de Stanley Kubrick. Sin duda, la mejor película del año y una verdadera suerte que se haya podido disfrutar en esta “fiesta del cine”.

La Deuda:

Trece años después de que ‘Shakespeare in Love’ de John Madden fuera la injusta triunfadora de la gala de los Oscar por delante de la infinitamente superior ‘La Delgada Linea Roja’ de Terrence Malick, ambos directores coinciden en las carteleras españolas con sus diferentes propuestas. Una vez más el trabajo de Malick juega en otra liga, lo que no significa que la película de Madden sea mala ni mucho menos.

Es, sin duda, la película de esta “fiesta del cine” que menos análisis precisa, ya que no pasa del mero entretenimiento realizado con buen pulso por su director. Pocas cosas son destacables en esta película, más allá de unas correctísimas interpretaciones por parte de Sam Worthington, Helen Mirren y Jessica Chastain, que se está convirtiendo en una auténtica revelación, siendo también parte del elenco protagonista de la cinta de Malick. Estamos ante una buena intriga, remake de la película israelí ‘Ha Hov’, pero no deja de ser una película convencional que no aporta nada nuevo y que incluso tiene algún defecto de base como pueda ser la simplicidad con la que la historia es tratada.

No habrá Paz para los Malvados:

Hasta hace bien poco cuando de cine español se hablaba era imposible no hablar de Almodóvar y su particular estilo o de la típica película ambientada en una de las épocas más lamentables de la historia de España, como si el cine español como tal, fuera un género en sí mismo. No voy a hacer mención a la época de Pajares y Esteso pues lo considero innecesario. Afortunadamente, en los 90 aparecieron directores como Alex de la Iglesia, Juanma Bajo Ulloa o Javier Fesser, que supuso un cambio radical en cuanto a forma y contenido en el cine patrio, pero aun así, parecía que el cine de género, fuese cuál fuese, no parecía tener acogida en la academia cinematográfica española. Este cambio catapultó a directores como Alejandro Amenábar y, más recientemente, Rodrigo Cortés, Juan Carlos Fresnadillo o Jaume Collet-Serra a poder realizar sus innovadoras ideas en la meca del cine, donde pudieron ofrecer ese cine de género que aquí parecía imposible ofertar. Entre unos y otros, surgió la figura de Enrique Urbizu, que con películas como ‘La Caja 507′ intentaba ayudar a cambiar el rumbo de la industria cinematográfica española, que con algunos directores, parece querer seguir encasillada en los modelos antiguos.

Y Urbizu, entre esos dos mundos que representan el cine patrio y el yankee, se dedica a realizar cine de género de calidad. El director bilbaíno es el único exponente dentro de la industria española capaz de realizar un thriller de la calidad de la mencionada ‘La Caja 507′ y de la que ahora nos ocupa. Porque si algo se puede decir de este film es que a Urbizu no le faltan cualidades para realizar un trabajo tan interesante y oscuro como el que refleja esta cinta. La manera de presentar al personaje principal es, como poco, magistral, ya que Urbizu no nos ofrece la razón por la que el personaje tan bien dibujado por José Coronado es como es, sino que nos da pinceladas de su personalidad o su pasado para que nosotros mismos tomemos nuestras propias conclusiones. Y esto es muestra de una capacidad increíble de escribir sobre un personaje en un guión, lástima que otras partes del guión no estén a la altura.

Porque no todo es luz en el interesante trabajo del realizador bilbaíno. Y es que si de algo adolece el film, es de un ritmo que no parece propio de un thriller policiaco como este, algo que no la lastra particularmente pero que hace que nos encontremos ante lo que parece más un thriller jurídico basado en alguna novela de John Grisham, lo que hace bajar la guardia al espectador en algunos puntos del metraje. De hecho, paralelo a la investigación que realiza el personaje interpretado por José Coronado, nos encontramos con una juez, de apellido Chacón para más señas, que realiza una investigación más propia de un detective. Eso, ciertos detalles que no puedo desvelar si no quiero destripar la película y el posible regusto a capítulo largo de cualquier serie policiaca española que deja, la rebajan en cuanto a calidad, pese a ser un trabajo admirable que sin duda sirve para revitalizar una industria cinematográfica tan de capa caída como la española y que cierra de manera redonda esta “fiesta del cine”, de la que espero también hayáis disfrutado y que ha resultado ser una experiencia más interesante de lo que hubiera conseguido ser en ediciones anteriores, que fueron celebradas en semanas de estrenos pobres de cartelera.

En el cine moderno es casi imposible pensar en una película sin que exista la idea premeditada de un estudio cinematográfico de convertirla en franquicia y, lamentablemente, no tiene por qué darse en función a su posible éxito. Algo así parece que ocurrió con esa especie de remake de ‘Pocahontas’ en 3D que era ‘Avatar‘ de James Cameron, aunque todos supieran que iba a tener éxito y que, por lo tanto, se convertiría en una futura saga. Y es que, es de esta forma como nacen las sagas cinematográficas, que bien pueden servir de aumento, como de pérdida de prestigio en los realizadores que se encargan de ellas. Por norma general, una saga supone una inyección económica para las grandes productoras realmente apetecible, ya sea una saga de indudable calidad cinematográfica o un mondongo infumable, pero en este segundo caso de inmundicia artística el perjudicado es el director, que ve cómo esa saga se ha convertido en una soga que lo ata a un proyecto infame.

Muchos directores de prestigio se han visto sometidos a tener que continuar con historias que, sinceramente, hubieran cerrado con su primera película, estirando hasta el infinito una idea que, pese al éxito casi seguro del que gozarán sus continuaciones, se convierte en algo desgastado e innecesario. Se puede decir que pocas sagas cinematográficas son las que existen por razones justificadas, y menos aun las que pese a estar justificadas hayan conseguido un resultado artístico satisfactorio.

Francis Ford Coppola o George Lucas serían de los primeros en realizar este tipo de saga “justificada” con ‘El Padrino‘ y ‘Star Wars‘, respectivamente. Ambos dieron en el clavo, uno con una obra imperecedera de calidad incontestable y otro con un divertimento para chavales a los que les gusta hacer el ruido de una espada láser con la boca mientras trastean con una escoba. De hecho este segundo encontró con las historias de la familia Skywalker a su particular gallina de los huevos de oro, y ha llegado a estirarla tanto, que ya sólo estas personas con sus escobas láser son capaces de encontrarlas estimulantes.

Sin duda, la calidad de una saga cinematográfica también puede venir ayudada por el hecho de que sus partes sean auto conclusivas o independientes. Esto facilita la labor de directores y guionistas, que no tienen que pensar en una linealidad o coherencia entre sus historias. Buen ejemplo de estas sagas serían ‘Indiana Jones‘ o aquél en quien se inspiró el citado George Lucas para inventarlo, ‘James Bond‘. El primero de ellos tuvo la suerte de ser dirigido por un Steven Spielberg que estaba en estado de gracia en los años 80, sin entrar en si fue buena o mala idea resucitar la saga 20 años después. Mientras el segundo se ha visto condicionado por el carisma del actor que lo interpretara en cada una de sus películas.

Ahora, sin embargo, encontramos sagas por todas partes y, desgraciadamente, muy pocas que merezcan la pena. Vivimos una época en la que cualquier superhéroe de cómic nos puede dar pie a una saga, en ocasiones para bien como en el caso del ‘Batman‘ de Christopher Nolan, pero por lo general encontramos de nuevo estiramientos innecesarios o incluso ridículos encargados por mandamases de productoras que quieren espectacularidad y artificio en detrimento de historia y contenido. Y es aquí donde hemos visto que para muchos directores interesantes una saga se ha convertido en una soga al cuello a merced de los productores a quién tienen que obedecer. Una soga que les mantiene atados a proyectos a los que, de otra forma, no querrían pertenecer y con los cuales se desperdician años de trabajo de artesanos que podrían dedicar su tiempo a mejores menesteres.

Hay un largo etcétera de estos pobres hombres que se han visto involucrados en proyectos ridículos de los que hubieran querido huir mucho antes. Claros ejemplos de esto son los de Gore Verbinski con la innecesaria saga de ‘Piratas del Caribe‘ o Sam Raimi con ‘Spiderman‘, de la cual ahora reniegan y con la que piensan realizar esa práctica que tan de moda se ha puesto en Hollywood y que llaman “reboot”. Muchas veces son los propios directores los que se meten en un jardín de afiladas espinas creativas, como es el caso de los hermanos Wachowski con la saga ‘Matrix‘. Pero como no todo iba a ser malo en este particular submundo del celuloide, también encontramos el caso contrario en directores como Bryan Singer, que tras filmar con buen criterio las dos primeras partes de los ‘X-Men‘, decidió desvincularse de dicho proyecto para poder dedicarse a otras historias, aunque el resultado fuera la poco interesante ‘Superman Returns’.

Quisiera terminar hablando, aunque probablemente termine haciéndolo en algún nuevo artículo, de estas prácticas hollywoodienses que se llevan haciendo debido, al parecer, a una falta total de ideas y que son los spin offs, remakes, reboots, precuelas y secuelas. No creo que esa falta de ideas sea real, y estoy plenamente convencido de que hay directores y guionistas con historias originales a llevar a cabo que no pueden hacer debido a ese interés de productoras por apostar al caballo ganador con las ya manidas propuestas pirotécnicas y espectáculos vacíos de los que hablaba anteriormente. Creo que no tiene que ser tan difícil intentar estimular al espectador con algo más de contenido en las producciones y espero que, como todas las modas, ésta en particular tenga un final tempranero para volver al buen cauce de un cine original y con un mínimo de calidad.